La compañía Atalaya, una de las formaciones teatrales más emblemáticas del panorama español contemporáneo, celebra sus 40 años de trayectoria con una propuesta escénica que vuelve a colocar a Ramón María del Valle-Inclán en el centro del debate cultural. Su versión de Divinas palabras, que puede verse en los Teatros del Canal desde hoy hasta el 4 de mayo de 2025, no es una adaptación más, sino una lectura profundamente contemporánea que mantiene el espíritu del autor gallego y lo proyecta hacia nuevas audiencias.
Con esta producción, Atalaya no solo rinde homenaje a uno de los grandes nombres del teatro español, sino que también reafirma su vocación por reinterpretar los clásicos desde un enfoque radical y visualmente innovador, sin perder la profundidad del texto original.
Una visión actual del esperpento de Valle-Inclán
En Divinas palabras, Valle-Inclán plasmó algunos de los temas más turbadores de la naturaleza humana: la codicia, la miseria moral, la lujuria, el poder y la muerte. Atalaya recoge todos estos elementos para construir un montaje que no suaviza ni edulcora el relato, sino que lo convierte en una crítica sin concesiones a los mecanismos sociales de explotación y marginación.
La historia de Mari Gaila, su esposo Pedro Gailo y el niño hidrocéfalo que sirve como instrumento de lucro familiar se presenta aquí desde una óptica que remueve al espectador. El esperpento sigue siendo el lenguaje dominante, pero adquiere nuevos matices gracias a la potencia visual y simbólica del montaje.
Esta versión de Divinas palabras conecta con la actualidad al mostrar cómo las dinámicas de exclusión, el uso instrumental del sufrimiento ajeno y la hipocresía institucional siguen siendo problemas contemporáneos. Atalaya convierte lo grotesco en espejo, obligando al público a enfrentarse con sus propios prejuicios.
Una escenografía transformadora que estimula los sentidos
Uno de los pilares fundamentales de esta propuesta es su cuidada y simbólica escenografía, firmada por Ana Arteaga y Viñas. Lejos de recrear un entorno realista o costumbrista, la escenografía se compone de conos translúcidos, estructuras móviles y proyecciones lumínicas que convierten el espacio escénico en un universo abstracto, poético y desconcertante.
El resultado es una atmósfera ambigua que mezcla lo religioso con lo profano, lo terrenal con lo fantasmal. La iluminación de Alejandro Conesa juega un papel crucial en esta construcción, generando un entorno en el que las luces tenues y las sombras móviles subrayan el carácter espectral de la historia.
Este enfoque visual no solo impacta por su estética, sino que también intensifica el carácter simbólico de los personajes y los espacios, conectando con la tradición expresionista de Valle-Inclán y llevándola un paso más allá.
Interpretaciones intensas para una obra de extremos emocionales
El elenco reunido para esta producción ofrece interpretaciones de gran intensidad emocional. Silvia Garzón destaca en su papel de Mari Gaila, una mujer compleja, atrapada entre el deseo, la culpa y la necesidad de sobrevivir en un entorno profundamente hostil. Su interpretación transmite con fuerza la tensión interna del personaje, haciendo visible su progresiva caída moral.
Raúl Vera, por su parte, ofrece una doble interpretación como Pedro Gailo y el Ciego de Gondar, evidenciando una notable capacidad de transformación escénica. Su trabajo actoral sostiene la ambigüedad de un texto en el que todos los personajes están marcados por la contradicción.
Completan el reparto Ana Baraza, María Sanz, Enmanuel García, Laura Krivakova, Pedro Callealta y Raúl Lledó. Juntos forman un coro de voces y cuerpos que recrea la atmósfera enfermiza y corrupta del universo valleinclanesco, sin caer en el exceso ni en la caricatura.
La música y el cuerpo como extensiones del lenguaje dramático
Luis Navarro se encarga de la música original y la dirección musical, aportando una dimensión emocional que refuerza la dramaturgia sin restarle protagonismo al texto. La banda sonora, compuesta específicamente para esta obra, acompaña los momentos de mayor tensión dramática y potencia los estados anímicos de los personajes.
La coreografía, a cargo de Juana Casado y Lucía You, funciona como una prolongación del conflicto interno de los protagonistas. Los movimientos, a menudo minimalistas y contenidos, otras veces desgarrados y rítmicos, articulan una narrativa paralela que da cuerpo a lo que no se dice con palabras. El lenguaje corporal adquiere así una relevancia central, que subraya los límites de la palabra cuando se enfrenta a la brutalidad de la realidad.
Un legado teatral que se renueva
Con esta propuesta, Atalaya no solo celebra cuatro décadas de trabajo, sino que también reafirma su apuesta por un teatro comprometido, que se atreve a dialogar con los clásicos desde una perspectiva contemporánea. Desde su fundación en Sevilla en 1983, esta compañía ha sabido construir un lenguaje escénico propio que combina rigor textual, innovación visual y compromiso político.
En Divinas palabras, esa tradición alcanza uno de sus puntos culminantes. La obra de Valle-Inclán, que desde su origen denunció la doble moral y el culto a las apariencias, encuentra aquí una versión que no suaviza su dureza, pero sí amplía su resonancia en un mundo que, en muchos aspectos, no ha cambiado tanto como se quisiera.
Quienes asistan a esta función no encontrarán una lectura acomodaticia del clásico, sino una experiencia que confronta, interpela y emociona. Atalaya no propone un homenaje nostálgico, sino un ejercicio de relectura radical que invita al pensamiento crítico.
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